Película – Carne Tremula
Película – High Heels, Almodovar
Película: Ata-me! Almodovar
Película – La ley del Deseo, Almodovar
Persona – Ingmar Bergman
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Algunas notas:
- Contacto de dos metales, un circuito, hàcen a la luz que dará visibilidad al rollo de la película, y vida al personaje.
- Nombre electra.
- Despersonalización, como recurso artístico.
- En esoterismo, luego de los 33 años, -la muerte de cristo (mano y clavo con sangre)- indican el primer viaje del alma.
- El siervo, la personalidad en función de la sociedad, utilizada por la sociedad.
- El niño que percibe la omnipotente imprescencia de su madre, la ausencia de una personalidad, o la presencia de ambas.
- El hijo no deseado, la culpa que no habla. Entonces se veía hermosa y eso era lo único que le interesaba, el cómo la verían los otros, el público de la sociedad.
- Alma dice “yo no soy como tú” y “te defendías desesperadamente”.
- Alma luego intenta pero no lo logra “yo deseo…” “yo amo…” y se quiebra.
- Engendra el hijo porque dudan de ella, de sus capacidades de mujer, si bien lo ama, no lo ama en la práctica y percibe una separación en sí misma. El uso de su propia alma creativa por responder a un valor social, el de ser madre, la lleva a disociarse de su propia alma, la cual aún está convencidad de que ama a su hijo y de que puede sanarse en el aislamiento. Alma no reconoce a su esposo, y como otro personaje desde adentro empieza a tener características propias.
- Alma encuentra que es estudiada y minimizadas sus experiencias y sentires más íntimos… una mirada batante comun del artista sobre el alma.
- Una parte de sí piensa que si se autojuzga podrá obligarse a sanar, la otra parte sencillamente no puede acerlo y la observa, con profundo aprecio, en silencio.
- Disociación de la personalidad entre lo privado y lo público (aparece la cámara de la filmación y la actriz recostada y maquillada, allí en donde sigue siendo Electra).
- El contacto de los metales, se separan, no hay luz, termina la película.
Sobre el director: Ingmar Bergman
Ingmar Bergman es considerado uno de los cineastas más importantes en la industria del séptimo arte. Se caracterizó por su forma discursiva, su estética predominante en blanco y negro, así como por el tratamiento de temas psicológicos en sus filmes.
Inició en el cine como guionista para la productora Svesk Filmindustri, que años más tarde produjo Tortura, cinta basada en un escrito original del sueco. Su primer largometraje fue Crisis (1946), sin embargo fue con la película Sonrisas de una noche de Verano (1955) con la que se ganó el reconocimiento internacional y obtuvo la nominación a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.
Posteriormente siguió con las películas El séptimo sello (1956), Fresas salvajes (1956), Como en un espejo (1961) y El silencio (1963). Entre las películas más emblemáticas de su trayectoria se encuentra Persona (1966), La hora del lobo (1967), Pasión (1969); que fue su primera cinta a color, La carcoma (1971), Gritos y susurros (1972), Fanny y Alexander (1982) y Saraband (2003) último filme del director.
Ficha técnica
Persona
Suecia, 1966
Dirección: Ingmar Bergman
Guión: Ingmar Bergman
Fotografía: Sven Nykvist
Música: Lars Johan Werle
Género: Drama
Con: Bibi Andersson, Liv Ullmann, Margaretha Krook y Gunnar Björnstrand
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Solaris – Tarkovsky
En esta imágen veo a la naturaleza por sobre el tiempo del hombre. Naturaleza humana, la memoria. Imaginación, forma de trascendencia que concreta el contacto con otros. Amor, humanidad. El psicologo manifiesta una figura a la cual ama y mediante ella entabla un vinculo profundo con el extraño planeta, el cual comienza por mimetizarse dentro del objeto amado(imaginado) y paulatinamente comienza a independizarse de su propia condición de recuerdo, no solo al ser de carne y hueso, sino al transformarse en humana, al dudar acera de sí misma.
En las películas de Tarkovsky el amor siempre muestra su capacidad de independizar al otro. “Remember Tolstoy? He suffered as he couldn’t love mankind in totality”. El planeta habría percibido ésto en el personaje y seguramente también habría recibido esta información en su encefalograma, un cerebro formado por las inquietudes de un psicólogo (a diferencia del formado por las de un científico, su colega). No es lo mismo ser un humano analítico, que ser un humano que ama, y uno que ama desde el profundo mar del inconsciente. El amor, como percepción a ciegas del otro, permite el contacto. El amor entre dos personas, que poco se trata de lo que realmente se entienden, sino de la percepción profunda, lo que llamamos alma. El planeta logra contactar con su conformación y parece tomar poseción de su modelo vivo quien desde Parte1 01:01:45 entra y camina por la nave-su mente, encuentra al colega y dice: “You know, whenever we show pity we empty our souls.” Entonces ya no se sabe si el protagonista sigue en él mismo o si es el planeta en él, hablando expresandose con un doble discurso, así como funciona la mente humana. “Perhaps you are right, suffering makes like grey and sad… But I don’t believe… No I don’t believe… What is not indispensabel ir hour life only brings harm to it… no it doesn’t”. Pareciera ser esta ultima duda-auto-afirmacion eso que me atrae de las películas de Tarkovski y que parece asimilarse al expresionismo abstracto de Kandinski. La conclusión de que considerar algo inútil es en sí mismo el error, y volver atrás, tan solo un poco, recuperando algo, cierta identidad. “Of course it doens’t. Remember Tolstoi? He suffered as he couldn’t love mankind in totality. How much time has it passed since them? I can’t make out, help me…” (¿Acaso el planeta intenta leer en la mente del personaje el tiempo de la humanidad?)
“Supose I love you.
Love is a feeling you can experience but not explain.
One can explain the idea of love,
but you love that wich you can lose.
Yourself… a woman… your country.
Until today, humanity, the Earth
had not way of reaching love.
See what I mean Snaut?
There are so few of us, just a few billions.
Just a handful.
Perhaps the reason we are here
is to perceive for the first time human beings as a reason to love?
Ah?”
Me gusta mucho esta imágen animada como metáfora de la condición celular de la memoria y la identidad. Parte 1 00:03:57, aunque es su totalidad toda la introducción bien lo representa.
Esta toma, cuando habría visto esta película por primera vez en el año 2006-2007 por recomendación de un profesor de grabado que no era mi profesor directo pero con el que habíamos entrablado una conección artística (y cuyo nombre no recuerdo), marcó de gran manera mi composición de las pinturas de “Ciudad Automática de Buenos Aires”.
Esta película vino a mi mente ayer y me dispuse a verla de a partes. Antes de ir a trabajar, al volver, al despertar por la madrugada, luego de seguir durmiendo, dormitando, finalmente despertando. Encuentro que tengo que darle importancia a la relación entre Tarkosvsky y el Expresionismo Abstracto de Kandinski, el cual muy diferente al americano, expresa la pertenencia a la tierra, la pareja, la existencia. Siempre pienso que es por ésto que me quedé a vivir en Berlín, claro entre otras puntuales cosas que ya tengo presentes, pero en cuanto al a búsqueda creativa siento que de todos los lugares en el mundo es acá donde se me dan el tiempo y los recursos para entender algo más, que estará por venir.