J- Oh woow, you are so right… Luis… I smile… but… Luis doesn’t exist…
L- Exactly, so tell me more about Luis.
J – Well, Luis is a guy who understands the value of life and the power of creation, has a stable job in their city with the which he pays his bills and feels free, goes to a filmclub where he meets very interesting others who also observe reality intensively, he loves film making and writes, and rejoys from observing love-life happening in front of their eyes. He is also a good person.
L- Luis is you.
Silence.
A drop of water touches the flat inmutable surface, the first circle arrises, it will be th opening of a what will be a consecuence of water rings opening into the endless darkness of the subconsciuos.
J – … you are so right. The emotion is fading away…
-You may find luck outside, but it is only inside the love is in you.
-You are not a robot, you are human.
-Dont take it personal, you were a target, it was not about you.
-Josie is a shadow.
-He is not bad, he is normal, and that is bad.
-It’s just a trap.
-Where there is light there is dark.
92. ¿Alguna vez has pensado que se puede vivir así?
Alguna vez, respondes secamente
Lo dejas rebotando como al balón
Suena el timbre, acaba el recreo
Se queda rebotando
Paf Paf Paf Paf paf paf paf pafffssss
Tic-tic-tic-tic-tic-tic-tic-tic
La correcta crema, la correcta manteca
Hacen galletitas diferentes
Los discapacitados conocen mejor la técnica
Vuelvo a apagar el velador.
Espera, encendí muy rápido el velador.
Ah, si, te quejas de que esta burbuja es muy pequeña
Y te da claustrofobia premeditada
Dulzura, yo no puedo convencerte
Un ser amado no es un escándalo.
A ojos de quienes te juzgas
Si quienes no irán a ver tu lápida
Ni cerca estarán de tu muerte
Al menos nosotros ya lo presenciamos
Con honor, los locos de Berlín.
¿Te extirparías las pupilas para ver un poco mejor?
Te autoencandilas y te entiendo mi amor
Sostengo tu mejilla, me miras
Te deseo amor.
Ya, cuánto durará la luna de miel entre tres
Recargas el revólver, apuntas
Las ocho punto cinco horas te explotan la cien
Pero sigues vivo, y me miras, te miro.
Giro la imágen y desde todos sus angulos la misma sensación
Tienes miedo, pedazo de estresazo que me pegué
Perseo se merece que le mande un emoticon
Y tú, mereces que te des acomoden el corazón.
Firman, los locos de Berlín.
Si me dejas, te acompaño manzo como río
Como quien camina, siguiendo a la rivera
Con la tranquilidad del pastor que conoce
Que el arroyo hacia el río brama.
Si piensas así estarás muerto
Más muchos han muerto en su elevación
Entonces ¿Porqué yaces en lo inerte?
Si por delante te contempla la creación.
¿Cómo es que te irás de Berlin?
¿Cuanto tiempo estirarss las piernas?
Te dorara el sol en Valencia
Y te encontrarás los mismos locos
¿De qué huyes? Si ya te hemos marcado.
Apago el velador
No te vayas
No te vayas de Berlín
Cree, crea, descree, enloquece
Es que te miras tus procesos y te das vergüenza
Es que miro tu vergüenza y me das amor.
Aún no conoces el arte de tu creación.
Yo sigo apagando y encendiendo el velador.
A que vuelvas cabalgando
A decirme del puerto
Que al final del río
Al final del arroyo
Lleva mi lento caminar
A tu lado.
Y te daré las gracias. Y así, aun así te vayas
Te daré las gracias
Ya se que no importa cuántas momtañas vengan a vos
De nada sirve, si no escalas, si no te amas.
Apago el velador.
M. Lopez
Escrito 20.08.2024 3 am
Entegado hoy de puño y letra 22.08.2024 13.30 pm
Respuesta: Gracias.
Contacto de dos metales, un circuito, hàcen a la luz que dará visibilidad al rollo de la película, y vida al personaje.
Nombre electra.
Despersonalización, como recurso artístico.
En esoterismo, luego de los 33 años, -la muerte de cristo (mano y clavo con sangre)- indican el primer viaje del alma.
El siervo, la personalidad en función de la sociedad, utilizada por la sociedad.
El niño que percibe la omnipotente imprescencia de su madre, la ausencia de una personalidad, o la presencia de ambas.
El hijo no deseado, la culpa que no habla. Entonces se veía hermosa y eso era lo único que le interesaba, el cómo la verían los otros, el público de la sociedad.
Alma dice “yo no soy como tú” y “te defendías desesperadamente”.
Alma luego intenta pero no lo logra “yo deseo…” “yo amo…” y se quiebra.
Engendra el hijo porque dudan de ella, de sus capacidades de mujer, si bien lo ama, no lo ama en la práctica y percibe una separación en sí misma. El uso de su propia alma creativa por responder a un valor social, el de ser madre, la lleva a disociarse de su propia alma, la cual aún está convencidad de que ama a su hijo y de que puede sanarse en el aislamiento. Alma no reconoce a su esposo, y como otro personaje desde adentro empieza a tener características propias.
Alma encuentra que es estudiada y minimizadas sus experiencias y sentires más íntimos… una mirada batante comun del artista sobre el alma.
Una parte de sí piensa que si se autojuzga podrá obligarse a sanar, la otra parte sencillamente no puede acerlo y la observa, con profundo aprecio, en silencio.
Disociación de la personalidad entre lo privado y lo público (aparece la cámara de la filmación y la actriz recostada y maquillada, allí en donde sigue siendo Electra).
El contacto de los metales, se separan, no hay luz, termina la película.
Sobre el director: Ingmar Bergman
Ingmar Bergman es considerado uno de los cineastas más importantes en la industria del séptimo arte. Se caracterizó por su forma discursiva, su estética predominante en blanco y negro, así como por el tratamiento de temas psicológicos en sus filmes.
Inició en el cine como guionista para la productora Svesk Filmindustri, que años más tarde produjo Tortura, cinta basada en un escrito original del sueco. Su primer largometraje fue Crisis (1946), sin embargo fue con la película Sonrisas de una noche de Verano (1955) con la que se ganó el reconocimiento internacional y obtuvo la nominación a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.
Posteriormente siguió con las películas El séptimo sello (1956), Fresas salvajes (1956), Como en un espejo (1961) y El silencio (1963). Entre las películas más emblemáticas de su trayectoria se encuentra Persona (1966), La hora del lobo (1967), Pasión (1969); que fue su primera cinta a color, La carcoma (1971), Gritos y susurros (1972), Fanny y Alexander (1982) y Saraband (2003) último filme del director.
Ficha técnica
Persona
Suecia, 1966
Dirección: Ingmar Bergman
Guión: Ingmar Bergman
Fotografía: Sven Nykvist
Música: Lars Johan Werle
Género: Drama
Con: Bibi Andersson, Liv Ullmann, Margaretha Krook y Gunnar Björnstrand
Cuando el arte es producto del mercado trunca a la existencia y entonces ya no hablamos de arte, o quizás “arte” deberiamos llamar a otra cosa o utilizar otra palabra, creatividad. Lo que no es producto es proceso.
En esta imágen veo a la naturaleza por sobre el tiempo del hombre. Naturaleza humana, la memoria. Imaginación, forma de trascendencia que concreta el contacto con otros. Amor, humanidad. El psicologo manifiesta una figura a la cual ama y mediante ella entabla un vinculo profundo con el extraño planeta, el cual comienza por mimetizarse dentro del objeto amado(imaginado) y paulatinamente comienza a independizarse de su propia condición de recuerdo, no solo al ser de carne y hueso, sino al transformarse en humana, al dudar acera de sí misma.
En las películas de Tarkovsky el amor siempre muestra su capacidad de independizar al otro. “Remember Tolstoy? He suffered as he couldn’t love mankind in totality”. El planeta habría percibido ésto en el personaje y seguramente también habría recibido esta información en su encefalograma, un cerebro formado por las inquietudes de un psicólogo (a diferencia del formado por las de un científico, su colega). No es lo mismo ser un humano analítico, que ser un humano que ama, y uno que ama desde el profundo mar del inconsciente. El amor, como percepción a ciegas del otro, permite el contacto. El amor entre dos personas, que poco se trata de lo que realmente se entienden, sino de la percepción profunda, lo que llamamos alma. El planeta logra contactar con su conformación y parece tomar poseción de su modelo vivo quien desde Parte1 01:01:45 entra y camina por la nave-su mente, encuentra al colega y dice: “You know, whenever we show pity we empty our souls.” Entonces ya no se sabe si el protagonista sigue en él mismo o si es el planeta en él, hablando expresandose con un doble discurso, así como funciona la mente humana. “Perhaps you are right, suffering makes like grey and sad… But I don’t believe… No I don’t believe… What is not indispensabel ir hour life only brings harm to it… no it doesn’t”. Pareciera ser esta ultima duda-auto-afirmacion eso que me atrae de las películas de Tarkovski y que parece asimilarse al expresionismo abstracto de Kandinski. La conclusión de que considerar algo inútil es en sí mismo el error, y volver atrás, tan solo un poco, recuperando algo, cierta identidad. “Of course it doens’t. Remember Tolstoi? He suffered as he couldn’t love mankind in totality. How much time has it passed since them? I can’t make out, help me…” (¿Acaso el planeta intenta leer en la mente del personaje el tiempo de la humanidad?)
“Supose I love you.
Love is a feeling you can experience but not explain.
One can explain the idea of love,
but you love that wich you can lose.
Yourself… a woman… your country.
Until today, humanity, the Earth
had not way of reaching love.
See what I mean Snaut?
There are so few of us, just a few billions.
Just a handful.
Perhaps the reason we are here
is to perceive for the first time human beings as a reason to love?
Ah?”
Me gusta mucho esta imágen animada como metáfora de la condición celular de la memoria y la identidad. Parte 1 00:03:57, aunque es su totalidad toda la introducción bien lo representa.
Esta toma, cuando habría visto esta película por primera vez en el año 2006-2007 por recomendación de un profesor de grabado que no era mi profesor directo pero con el que habíamos entrablado una conección artística (y cuyo nombre no recuerdo), marcó de gran manera mi composición de las pinturas de “Ciudad Automática de Buenos Aires”.
Esta película vino a mi mente ayer y me dispuse a verla de a partes. Antes de ir a trabajar, al volver, al despertar por la madrugada, luego de seguir durmiendo, dormitando, finalmente despertando. Encuentro que tengo que darle importancia a la relación entre Tarkosvsky y el Expresionismo Abstracto de Kandinski, el cual muy diferente al americano, expresa la pertenencia a la tierra, la pareja, la existencia. Siempre pienso que es por ésto que me quedé a vivir en Berlín, claro entre otras puntuales cosas que ya tengo presentes, pero en cuanto al a búsqueda creativa siento que de todos los lugares en el mundo es acá donde se me dan el tiempo y los recursos para entender algo más, que estará por venir.
El otro día, cuando escribía mi pequeña persepción acerca de la visita a la Bauhaus me encontré con una reseña que me gusto mucho acerca de Vasili Kandinski quien siempre fue mi preferido de los artistas modernos
El expresionismo abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana.
Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado obras muy personales.
Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense y se dice por ello que incluso fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra Fría. Estados Unidos (Nueva York en realidad) había sustituido a París como capital artística y los expresionistas abstractos cogieron el testigo de la vanguardia. El país, líder ahora del mundo libre, necesitaba un arte propio que liderara el arte occidental. Y qué mejor que un arte individual cuya principal característica es la libertad.
Los expresionistas abstractos fueron unos tipos (y tipas) fascinados por la soledad y el proceso. Individualistas, decidieron mostrar el carácter expresivo del arte investigando en búsquedas personales, más que colectivas. El artista desalentado por su contexto político y social se refugia ahora en su interior y abandona toda referencia externa. Se valora por tanto el gesto, una especie de huella dactilar del artista, porque es algo único de cada uno.
Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico casi en un rito religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo. La improvisación formaba parte de este trance casi místico, en el que el artista entraba en contacto directo con sí mismo. Este automatismo podría derivar del surrealismo, que aún estaba vivo en esos años.
Si este artista dice frases celebres como: “Todos los procedimientos son sagrados si son interiormente necesarios. Todos los procedimientos son pecados si no se justifican por la necesidad interior.” o “La armonía de los colores debe fundarse únicamente en el principio del contacto adecuado con el alma humana, es decir, en lo que llamaremos el principio de la necesidad interior”, claramente nos dice que para él el arte es algo muy diferente a lo que continuó el pensamiento científico de la Bauhaus y que, pienso que cree como yo, que el excesivo auto-analisis aniquila la ensencia.
Es la musicalidad en la obra de Kandinski lo que me dejó en absoluto estado meditativo (y danzante) al contemplarla por primera vez. Que una imágen por sí misma me transmita sonidos, sensaciones, emociones, recuerdos, despertando así los procesos creativos de mi propia alma y dándoles piedras y hormigon para contruir lo que ésta necesitase expresar en ese momento, me demuestra que inclusive en esa época habían discuciones acerca de este tema que derivan en diferentes corrientes, como lo hace la influencia de Kandinski al decantar en la “Abstracción lírica” y “Expresionismo abstracto”.
La música es para mí el más elevado de todos los artes. Cuando la veo caminando por la calle, a la salida del teatro, agarrada del brazo a su hermana “la película” sencillamente necesito tomarme un avión y escapar a otro país. Ver a la imágen, esa gran esfinge que no comprendo, en companía de la música es para mí el más alto de todos los artes. Siempre recuerdo esos tiempos de pintura solitaria en mi taller, en expresionismo abstracto, en companía de la música clásica contemporánea, en servicio al cine. Durante muchos años, en especial cuando aparecio winamp, despues los portatiles como el ipod y cada uno podia descargarse y guardar su propia música, solamente escuché música de películas que bajaba de internet o me pasaban algunos amigos en Cds. Escuchaba mientras pintaba a Hans Zimmer y vi aparecer a Max Richter (a quien por fin pude ver en vivo en el año 2023), a Max Steiner, a Howard Shore y John Williams. Por las noches, con mi hermano más chico, escuchabamos el disco del Fantasma de la opera a todo volúmen, él se volvería un fanático de Howard Shore por El Señor de los anillos y aprendería a tocar el violín mientras yo pintaba en el patio trasero los primeros cuadros de Ciudad Automática de Buenos Aires.
En los tiempos adolescentes escuchaba tb Limp Bizkit, Pink Floyd, Babasonicos, Abba, Christina Aguilera (Uf, disco para la película de Mulan), y bueno, bailaba cuarteto con mis amigas y familia. Acababan de pasar los tiempos de Gilda y se escuchaba Damas Gratis, pero prefería a Rodrigo, aunque eso ocurría en las abundantes salidas sociales a las que me sentía siempre un poco en obligación de asistir. El asunto es que al tener 3 hermanas mayores involucradas con la música escuché tambien mucho de los 80 como música cotidiana, Depeche Mode, In Excess, Tears for fears, Soda Estereo, Los abuelos de la nada, los Autotentico decadentes, Vilma Palma y alguno más. Al grueso del Rock nacional no lo conocí por mi familia, que era muy purista, sino por mis amigos del barrio. Me confirmaba, la desazón de mi madre de que siempre me encontraba nuevas amistades de las menos esperadas, que algo iba por buen camino. Esas amistades me llevaron entre miles de cosas a Santana, a Steven Wilson, mi hermoso Maxi me llevo hasta Dream Theater (¡Esos discos!) y por mi cuenta fui buscando a Mercedes Sosa, Espineta, Sandro, y, por el barrio de Balvanera llegué al Tango argentino. Después elegí cosas preferidas como Lisandro Aristimuño, Natalia Lafourcade y Cerati. Gracias Argentina por esos 10 años (2008-2018).
Y volviendo al Expresionisma Abstracto, recuerdo que así como la primera vez que escuché un disco entero de Max Richter mirando, tan simplemente, por la ventana los movimientos del arbol y escuchando con total entrega, de la misma manera me impactó cuando estudiando en el profesorado de artes visuales vi pasar, meramente pasar, una obra del expresionista Kirchner. Lo que sea que vio mi mirada en ese grabado blanco y negro, xilografía, quemó como ácido mi retirna para siempre. Fue por ésto que al llegar a Berlín en el año 2020 y ver a mi pintura naturalmente virar hacia ese recuerdo, decidí quedarme. Quizás podría con el tiempo conocer más de cerca a este grupo de artistas.
The style originated principally in Germany and Austria. There were groups of expressionist painters, including Der Blaue Reiter and Die Brücke. Der Blaue Reiter (The Blue Rider, named after a painting) was based in Munich and Die Brücke (The Bridge) was originally based in Dresden (some members moved to Berlin). Die Brücke was active for a longer period than Der Blaue Reiter, which was only together for a year (1912). The Expressionists were influenced by artists and sources including Edvard Munch, Vincent van Gogh and African art.[21] They were also aware of the work being done by the Fauves in Paris, who influenced Expressionism’s tendency toward arbitrary colours and jarring compositions. In reaction and opposition to French Impressionism, which emphasized the rendering of the visual appearance of objects, Expressionist artists sought to portray emotions and subjective interpretations. It was not important to reproduce an aesthetically pleasing impression of the artistic subject matter, they felt, but rather to represent vivid emotional reactions by powerful colours and dynamic compositions. Kandinsky, the main artist of Der Blaue Reiter, believed that with simple colours and shapes the spectator could perceive the moods and feelings in the paintings, a theory that encouraged him towards increased abstraction.[5]
Nací en el Expresionismo Abstracto, soy un ser humane milennial del 88. Los artistas argentinos viajaban a NY o a París o a Madrid a vender sus obras expresionistas. Caminos individuales, búsquedas profundas. Visité muchos talleres y entablé amistades desde pequeña edad. En la medida en la que fui creciendo también encontré a los muralistas socialistas de américa latina, como así también a los autores de fantasías de mural post 2010. Conocí muchos mundos que trabajaban la imágen. A mí me atrae el expresionismo y mi museo preferido es Der Brucke, en Berlin, no solo por la colección que pueda tener, sino porque sigue vigente en sus exhibiciones la relectura de la realidad contemporánea, la crítica social, la ficción de los sentidos, la musicalidad y lo rudimentario del quehacer artístico.
[10/08, 21:11] Jo Watson: Te amo y quiero que te ames disfrutar, los detalles como las enormidades, lo cotidiano y lo rutinario. Te amo y deseo que mediante esta otra cuota más de amor, elijas aquello que al hacerlo te recuerda que desear la felicidad, en alguna de sus múltiples versiones, películas o prototipos, es desear sin más.
[10/08, 21:16] Jo Watson: Y que te desees detrás de los telones oscuros de tu propia alma. O, no tan oscuros, iluminado el rojo telón al que se agarra una dama. La que ha puesto sus pies en el agua y allí se ha quedado, en el charco en donde encontró al blanco y negro tocándose. Los ejes de la mente, la conci3ncia y lo inconsciente. Ella se acerca a tocar el reflejo de una imágen sobre el agua… ¿Qué es la imagen? Se pregunta. Y desde ese momento ella, la bailarina detrás del telón, me reclama desde la entrada abierta a esa vía, el charco en el parquet de madera del teatro con el infinito público, aguardandome allí para que la vía quede siempre abierta.
Es desde ese momento que me pregunto ¿Porqué la imagen? ¿Porqué el agua r3fl3ja una cierta pero ajena representación de la real-eza? Porqué, y sobre qué premisa refleja el agua una imágen. Debajo de la superficie está el fondo del agua y allí la entrada al gusano de agua que te succiona al otro lado. Recuerdo lo que allí, en un rápido sueño surreal he visto: Allí, del otro lado de la realidad, cada muro, persona y todo lo que comprende a esta material existencia…
– Y justo viene mi wx jefe (porque el vlub se dividió tb legalmente en dos partes y él ahora maneja solo la otra locación) a decirme que falleció su hermana hace una semana, que sólo le llevaba dos años, y que quizás en dos años más le toca a él y nos deja en menos de una semana –
Lo que había visto era a cada cosa fe la realidad tomar su forma cóncava contraria en la otra realidad. En ese salón estaban desde las cosas cotidianas de la vida incluyendo calles, avenidas, conversaciones en un 6to piso sobre la calle riobamba de Bs As, incluyendo un momento en el subte en Berlín, donde desde dentro del vagon vamos viajando hacia Wedding, hacia casa. Es tarde y solo quiero llegar a casa. En ese otro mundo paralelo todo era blanco.
Giré mi peso a la pierna izquierda. Saliendo del mundo paralelo encontré, del otro lado de la fina línea divisoria, a mi realidad con sus colores normales. Vuelvo mi peso hacia el pie derecho y vuelvo al mundo cóncavo y todo blanco. Reparando en algo vuelvo sobre la fina línea divisoria y, sosteniendo mi peso en el medio, sosteniendolo desde la punta de mis dos pies, aspiré y sentí en el espacio dr entre medio a la línea de oscuridad entre uno y el otro lado. El momento de confianza ciega, el momento en el que sintiendo el peso en mi propio centro, veo al mundo a oscuras. Todo el mundo convexo, en movimiento, embebido por una capa de infinito, como una máscara negra. El magma negro se mueve, y, formado por él, hasta los últimos detalles de un grillito en el bosque. Todo negro.
Viro mi peso hacia la planta del pie izquierdo, y empiezo a sentir a la realidad con sus colores bailar de nuevo. Entiendo y aciento.
Hoy Rocío me dijo que si no ovservamos en una cultura su oscuridad y lo “que no esta bueno”, solo estaríamos cual humanos consumiendo. Una gran parte de lo que hacemos mal lo hacemos cuando estamos desde el lugar del consumo, de consumir la Realidad. Consumimos cuando nos estamos llevando solo lo bueno. Si me llevo “al coya”, q la musiquita linda originaria, al trago en el bar del pueblo, y no las contradicciones de su gestos emocionales, la corrupcion, o las guerras locales. Tantas cosas, de ambos lados a tomar.
Yo no quiero consumirte. Co sumirte. Yo no deseo ser cómplice de la realidad de turno. Y nos miramos con Rocío al percibir el mismo co firmamiento de nuestro no abusar de la Realidad. Los artistas somos los que moldeamos lo que vemos. Así como todo ser humano sobre la tierra, pero nosotros lo sabemos y lo ejercemos desde el diseño grafico hasta peliculas o videojuegos online. Nosotrxs que podemos hacer tanto con esta patria potestad! Solamente la respetaremos. La mejorar3mos, como menos, porque como último habremos construido otro imperio, otra civilización, otra generación de la humanidad ¿Quiénes? Soles les artists. Artistas somos todes.
Si supieran cuánto… que existe lo que vemos tan solo porque creemos que lo vemos. La Realidad puede cambiar de un momento a otro centímetro. La medida de distancia es entre la pr3sente verdad y lo olvidado. Si supieran cuánto poder tenemos sobre lo que vemos…
Y yo me preguntaba el porqué una imagen… aún me lo pregunto. Podría no haber habido nada… Podría haber sido una deformada forma abstracta, o un az de luz de esos encandilantes, o la misma nada en terciopelos. Pero yo vi una imagen reflejada en el suelo. Me acerqué a tocarla y allí es que casi me sumerjo.
Ahora quiero sumergirte en mí.
El infinito público que mira todo lo que hago. El aire entre todas las butacas corre suavemente como una briza, moviendo sobre la superficie de la montaña a las rocas en lineas paralelas que veran por arriba como pentagramas.
Una parte de mí me pide que sea cuerde y te y me respete. La otra me recuerda que lo que no fue fuego incendiario, nunca llega a puerto, a ningun puerto… pero muchas veces así he construido la amistad. Prefiero amarte.
Un paso hacia atrás. Pierdo el equilibrio de mis pequeños pies. Un paso hacia adelante. Un segundo. Caigo al agua.
Te siento sentirme como mujer. Necesito que tb me percibas en la oscuridad. Inhalas profundo al salir de mi oscuridad ¿Porqué no llamarla de otra forma? ¿Xq no llamarla mis defectos? Porque Es mi certeza ¿A qué llamo mujer? Porque necesito que tomes mi cóncavo mundo y entiendas que ya estoy completx. Lo que quiero darte es mi completidad. Y desde ella… no tengo género.
Y espero que te pase lo mismo. Con los años todos vamos entendiéndolo mas. Algunes em0ezamos así. Y bueno… nos toma otro tiempo, o espacio, o ruedo… u otros atuendos y cambios detrás de bambalinas.
